1000 Esculturas de los Grandes Maestros

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Esta colección de escultura propone una visión del arte occidental auténtica e innovadora que inicia en la antigüedad y acaba en el siglo XX. Aquí reunidas están las obras maestras más sensuales y harmoniosas además de las más provocativas y minimalistas. La escultura como actividad se caracteriza por esculpir nuestro mundo y nuestro concepto de belleza, dejando tras de sí imperecederas siluetas y siempre modelando otras nuevas e intrigantes. Estas obras maestras son el reflejo de una época, de un artista y su público, y a través de esta galería de imágenes se puede acercar uno no solo a la historia del arte sino a la historia en su conjunto. 1000 esculturas de genio ofrece una visión panorámica de la escultura en occidente en la que caben desde los aclamados ideales de belleza hasta los trabajos más controvertidos. Unidos a una multitud de referencias, comentarios de las obras y exhaustivas biografías, esta obra permite al lector redescubrir la herencia del mundo occidental. Asimismo, es la guía perfecta para estudiantes de arte y amantes de la escultura.
Publicado el : lunes, 24 de noviembre de 2014
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EAN13 : 9781783104109
Número de páginas: 544
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Judd Laurens Leighton LeWitt Lipschitz Maillol Marisol Messerchmidt
Meunier Miguel Ángel Mirón Moore Oldenburg Permoser Picasso Pilon
Pisano Primaticcio Riemenschneider Rodin Sansovino Sluter Stoss
Thorvaldsen Abakanowicz Algardi Arman Barlach Bernini Boccioni
Botero Bourgeois Brancusi Calder Canova Carpeaux Coustou Coysevox
De Mena De Vries Degas Della Robbia Donatello Fidias Giacometti
Heermann Hepworth Judd Laurens Leighton LeWitt Lipschitz Maillol
Marisol Messerchmidt Meunier Miguel Ángel Mirón Moore Oldenburg
Permoser Picasso Pilon Pisano Primaticcio Riemenschneider Rodin
Sansovino Sluter Stoss Thorvaldsen Abakanowicz Algardi Arman Barlach
Bernini Boccioni Botero Bourgeois Brancusi Calder Canova Carpeaux
Coustou Coysevox De Mena De Vries Degas Della Robbia Donatello
Fidias Giacometti Heermann Hepworth Judd Laurens Leighton LeWitt1000
Lipschitz Maillol Marisol Messerchmidt Meunier Miguel Ángel MirónEsculturas deMoore Oldenburg Permoser Picasso Pilon Pisano Primaticcio
Riemenschneider Rodin Sansovino Sluter Stoss Thorvaldsenlos GrandesAbakanowicz Algardi Arman Barlach Bernini Boccioni Botero Bourgeois
Brancusi Calder Canova Carpeaux Coustou Coysevox De Mena De VriesMaestrosDegas Della Robbia Donatello Fidias Giacometti Heermann Hepworth
Judd Laurens Leighton LeWitt Lipschitz Maillol Marisol Messerchmidt
Meunier Miguel Ángel Mirón Moore Oldenburg Permoser Picasso Pilon
Pisano Primaticcio Riemenschneider Rodin Sansovino Sluter Stoss
Thorvaldsen Abakanowicz Algardi Arman Barlach Bernini Boccioni
Botero Bourgeois Brancusi Calder Canova Carpeaux Coustou Coysevox
De Mena De Vries Degas Della Robbia Donatello Fidias Giacometti
Heermann Hepworth Judd Laurens Leighton LeWitt Lipschitz Maillol
Marisol Messerchmidt Meunier Miguel Ángel Mirón Moore Oldenburg
Permoser Picasso Pilon Pisano Primaticcio Riemenschneider RodinAutores: Joseph Manca, Patrick Bade, Sarah Costello. © Wolfgang Laib
Traducción: Susana del Moral. © Berto Lardera Estate, Artists Rights Society (ARS), New York, USA/ ADAGP, Paris
Diseño: Baseline Co. Ltd., 61A-63A Vo Van Tan Street © Henri Laurens Estate, Artists Rights Society (ARS), New York, USA/ ADAGP, Paris
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© Jannis Kounellis al final de cada capítulo.
21000 Esculturas de los
Grandes MaestrosContenido
Introducción 7
El Arte Antiguo 16
Periodo Medieval 110
El Renacimiento 188
El Barroco 264
La Escultura Moderna 346
Glosario 509
Biografías 511
Cronología 535
Índice 540Introducción
kouros, una figura masculina independiente que aEl mundo clásico
menudo se colocaba en las tumbas, en honor del difunto.
Los equivalentes femeninos de los kouroi, llamados Kore,Los griegos antiguos, en un principio un pueblo aislado
y provincial entre muchos otros grupos de poblaciones se presentaban vestidos, siguiendo las convenciones de
la época, pero también se concentraban en la juventud,de la cuenca del Mediterráneo, se elevaron en lo
cultural, lo militar y lo político hasta lograr gran el encanto y la belleza ideal.
Durante el siglo V a.C. se desarrolló un sentimientoprominencia, pero se apoyaron en otras grandes
culturas y aprendieron de las tradiciones de otras de gran confianza entre los atenienses, gracias a su
victoria sobre los persas en 490-479 a.C., y por elcivilizaciones antiguas del Mediterráneo y del Cercano
Oriente. En la esfera de las artes, los egipcios, en continuo liderazgo ateniense entre todas las
ciudadesestado griegas. De hecho, el líder ateniense Pericles, enparticular ya habían desarrollado una cultura de figuras
idealizadas, figuras humanas bien proporcionadas, una su famoso discurso solemne (431 a.C.) por los soldados
caídos en la Guerra del Peloponeso, reafirmó latradición narrativa en la pintura y en la escultura de
relieve, y una arquitectura de templos que incorporaba superioridad de Atenas en asuntos culturales,
indicando que su dedicación a la ciudadanía, alla exhibición de una gran variedad de elementos
escultóricos. Sin embargo, los griegos alteraron las sacrificio y al intelecto formaban el núcleo moral de la
grandeza ateniense. Fue un momento revolucionarioformas estáticas de los egipcios y buscaron crear figuras
escultóricas que expresaran la vida, el movimiento y un en el estilo artístico. Basadas de forma cada vez más
sentido humano más fundamental de potencial moral. explícita en los ideales del cuerpo perfecto, las figuras
esculpidas se ampliaron en movimiento y emociones,Este desarrollo se observa, en su fase inicial, en el
crecimiento del naturalismo y en la sutileza de la pero siempre con un equilibrio moderado de peso,
proporciones y ritmo. Igualmente importante era laexpresión facial en la escultura que se produjo en el
periodo arcaico de los siglos séptimo y sexto a.C. sensación de una realidad palpable; la escultura, en
lugar de hacerse de mármol o bronce sin adornos, conDurante esa época se dio una mayor libertad de
invención en la pintura en jarrones, pero los escultores, frecuencia se mejoraba con detalles en otros materiales,
para lograr, de una manera refrenada, un gradorefrenados por la dificultad del trabajo en piedra y por
las convenciones, se quedaron un poco atrás. Al reflejar adicional de naturalismo. En épocas posteriores, una
creencia en la “pureza” del arte de los griegos llevó auna búsqueda filosófica del ideal, los escultores
pretendían plasmar la belleza intemporal. Al igual que los críticos a pasar por alto estas adiciones, pero los
griegos daban vida a sus figuras pintando sobre ellos filósofos griegos, que consideraron la naturaleza de
la república ideal, la justicia perfecta o el bien ideal mármol las partes claves, como los labios o los ojos; en
la escultura de bronce, la técnica artística más elevadamismo, los artistas buscaron un medio de expresión
para las formas perfectas. En sus temas, los escultores a y duradera, pueden encontrarse estas adiciones en la
forma de ojos de vidrio y pestañas de plata. Griegosmenudo favorecieron el desnudo de cuerpos masculinos
jóvenes, un reflejo de la inclinación griega por el posteriores y los colonizadores griegos harían una
especialidad de las figurillas de terracota coloreadas. Elatletismo y las proezas militares y una indicación de las
poco delimitadas fronteras de su rango de apreciación reino de la antigua escultura griega fue un mundo vivo
sexual. Una forma muy difundida e importante fue el y en ocasiones, colorido.
7En el clasicismo, la belleza conlleva un elemento que parecía responder a la nueva Realpolitik de
numérico. De la misma manera en que los intervalos y condiciones cambiantes, en el que el ideal de la
acordes musicales pueden definirse proporcionalmente democracia local se hizo pedazos. En el nuevo estado de
a través de un porcentaje numérico, y la geometría y las cosas, el individuo tenía que abrirse paso en un mundo
matemáticas están relacionadas con los movimientos difícil, cambiante y dinámico. El periodo Helenista vio la
planetarios, también pueden encontrarse proporciones difusión de las escenas de género, algunas de las cuales
similares en el diseño escultórico y arquitectónico demostraban sentimientos conmovedores: una anciana
griego. El Canon de Policleto o Joven con una lanza, fue esforzándose por caminar al mercado, pugilistas
sólo la más prominente de muchas obras de las que se cansados, niños que luchan, enanos que bailan. Pueden
sabe tenían proporciones ideales: la proporción de la encontrarse en las figuras helenísticas nuevos detalles
longitud de los dedos, las manos, los brazos, las piernas expresionistas, en particular en los tipos musculares
y la cabeza se ajustó para que guardara una relación con distintivos de proporciones gruesas, ojos profundos y
las demás partes y el todo. Sabemos de su sistema, en cabello espeso, rizado y con movimiento. Los tipos más
parte por la descripción realizada por Galeno, un viejos de proyectos escultóricos, como los frisos en
médico que vivió en el siglo II d.C. Galeno discutió el relieve, las esculturas en recesos y las figuras
sistema artístico de Policleto y pareció aceptar la idea de independientes continuaron, pero surgieron nuevos
que el cuerpo humano realmente consta de un conjunto entornos y tipos. En el gran Altar de Zeus en Pergamón
ode proporciones ideales. Este principio sobreviviría a (véase N 110 y 11), en lugar de un friso estrecho
través de la historia del arte; tanto en el periodo Clásico colocado en lo alto, hay una escena en relieve a gran
como en el Renacimiento y el Neoclásico se incorporaría escala, en la parte de abajo, que pone el panorama de
algún tipo de sistema matemático o numérico de una gran batalla al nivel del espectador. El tamaño de la
proporcionalidad. escultura pública aumentó con respecto al periodo
Las ciudades estado griegas quedaron debilitadas anterior del arte griego y el Coloso de Rodas, que
por las guerras que se llevaron a cabo en el siglo IV a.C., dominaba una bahía, llegó a ser uno de los primeros
aunque sus sorprendentes desarrollos en la tradición atractivos turísticos.
escultórica siguieron con la misma fuerza y las obras de Las colonias griegas en la península itálica habían
aquella época se mejoraron con un nuevo sentido de la preparado el camino para el avance local de las artes
elegancia y el juego espacial. Para el final del siglo, figurativas. Los etruscos, un pueblo todavía
frente a una gran oposición, las ciudades estado griegas relativamente misterioso, adoptaron algunas de las
habían perdido su independencia y fueron unificadas modas escultóricas aprendidas de los griegos. El
bajo el poderío macedonio, al mando de Felipe II y espectacular ascenso de los romanos comenzó, en un
Alejandro Magno. Los ciudadanos griegos quedaron principio, como triunfos militares y políticos. Es bien
incorporados a un extenso imperio que iba desde las conocida la historia de cómo una pequeña ciudad estado
tierras de Italia, hasta el borde de la India, e incluso creció hasta dominar toda la península y luego llegó a
después de la división de este imperio en varios reinos, crear un gran imperio que se extendió desde Escocia,
las diversas ciudades estado griegas siguieron siendo hasta el Norte de África y Mesopotamia. Los más
parte de entidades políticas más grandes. Estos cambios sorprendentes productos escultóricos romanos durante
tan drásticos sólo podían dar lugar a una percepción los siglos anteriores al imperio fueron ejemplos de
modificada del lugar del ser humano en el universo, por retratismo; el impávido realismo del retratismo
lo que no es de sorprender que se dieran nuevos republicano romano revela el carácter y la fibra moral de
resultados artísticos en todas las artes visuales. La nueva aquellos que estaban desarrollando un sistema político y
tendencia fue hacia una actitud pragmática y realista social de gran fuerza y posibilidades.
8— Introducción —
El cambio iconográfico en la escultura siguió al Pompeya y Herculano en el siglo XVIII aumentó el
desarrollo político y a la expansión del Imperio. El conocimiento de la colocación y tipos de esculturas
establecimiento por parte de Augusto (que murió en que se usaron en las ciudades romanas, y confirmó la
14 d.C.) de un régimen imperial implicó una nueva evidencia literaria de que gran parte de los
manera de retratismo imperial y los estilos y enfoques monumentos se colocaban en los atrios de hogares
cambiantes de estas imágenes de gobernantes se urbanos, como sucedía en las villas y en los amplios
encuentran en el centro del desarrollo del retratismo jardines de las clases aristocráticas. Cicerón, como
romano. La condición divina de los emperadores y el algunos otros de sus contemporáneos cultos, formó lo
despliegue propagandístico de sus retratos en espacios que eran esencialmente pequeños museos en sus
públicos proporcionó oportunidades para los escultores villas, por dentro y por fuera, y estos lugares le servían
y diseñadores de monedas y medallones romanos. Ahí como retiro y para contemplación filosófica. También
surgió un amplio y novedoso orden de nuevos tipos de los emperadores llenaron sus villas con grutas, fuentes
monumentos y esculturas en arcos triunfales, columnas y piscinas cual espejos, rodeadas de esculturas. Las
elevadas y en los baños, foros y otras partes. Los descripciones orales y la evidencia que quedó en
romanos estaban dispuestos, cuando no dependían de forma de ruinas sobre la existencia de estas villas
sus propias invenciones, a realizar copias de las obras fueron la pauta de los jardines europeos del
griegas o a mostrar con orgullo los originales mismos Renacimiento y épocas posteriores. Los romanos
que habían comprado o saqueado de Grecia. Estas desarrollaron una vigorosa tradición escultórica
copias y originales griegos sirvieron a su vez de rodeada de rituales de muerte y duelo, y sus retratos
inspiración artística y ayudaron a mantener los altos funerarios y relieves en sarcófagos son un rico legado
estándares de calidad en la escultura romana. Algunos de historia artística.
emperadores romanos, como Marco Aurelio, hicieron Durante los últimos siglos de su existencia, el
suyos conscientemente los ideales griegos: llevaba una Imperio romano entró lentamente en un declive militar,
barba al estilo griego y adoptó la filosofía estoica, y sus económico, cultural y moral. Los anfiteatros y sus juegos
escultores respondieron con una idealización de las sangrientos aumentaron en popularidad, mientras que
obras clásicas, una de las más memorables, el el atletismo tradicional (la carrera, el lanzamiento de
monumento ecuestre colocado durante el Renacimiento jabalina, el lanzamiento de disco) cayeron en desuso. El
en la Colina Capitolina. Esta obra se realizó en bronce, teatro dramático en el sentido tradicional prácticamente
material que los griegos favorecían y que se volvió desapareció, y la poesía y la prosa perdieron mucho en
sumamente estimado entre los romanos. cuanto a refinamiento. Por su parte, la escultura romana
El pueblo romano de todas las clases sociales estaba desde el siglo II al siglo V mostró un declive gradual, y
rodeado por originales escultóricos de gran calidad, los ideales y proporciones de las figuras según los
dado que el estado romano quería dejar su huella en los principios griegos terminaron por olvidarse y se
sitios públicos, incluyendo las provincias. Los baños convirtieron en tipos embotados, mundanos y
eran con frecuencia un sitio donde se hallaban regordetes que transmitían la estatura y el poder.
esculturas, muchas de ellas figuras independientes con Constantino el Grande (muerto en 337 d.C.) fue el
temas de atletismo. El exterior del Coliseo estaba primer emperador romano en aceptar la cristiandad,
adornado con esculturas que se mostraban de pie en sus que hasta entonces se había perseguido con diversos
arcos abiertos y con la estatua colosal del Emperador grados de intensidad por todo el imperio. Los primeros
Nerón adyacente al anfiteatro (que posteriormente los cristianos por lo general compartían los materiales
sucesores de Nerón convertirían en un dios del sol). artísticos y el estilo de los romanos seculares, pero
El redescubrimiento de las ciudades enterradas de introducían imágenes religiosas.
9nuevo estilo de presentación escultórica y se dio unaLa caída de Roma y el surgimiento de la cultura
readaptación del antiguo sistema romano de usar unamedieval
abundante decoración escultórica en los exteriores,
como ocurrió a principios del periodo románico en laLa destrucción de la civilización del Imperio romano a
Catedral de Modena. Los constructores recurrieronmanos de las tribus visigodas, ostrogodas, de los
también al uso de ideas arquitectónicas romanas,vándalos y de otros en los siglos V y VI puso fin a una
larga tradición cultural. Algunos de los pueblos incluyendo la construcción de gruesos muros y el uso
de arcos redondeados y bóvedas de cañón, de ahí quenómadas poseían una especie de arte basado en
la palabra “románico” se utilizara más tarde paramotivos animales entrelazados en pequeña escala, con
indicar este uso de las ideas de la antigua Roma en ununa presencia humana bastante estilizada. Los
vikingos, no menos que los otros, tenían un estilo que nuevo contexto. Por su parte, algunos escultores
era ajeno a las tradiciones mediterráneas antiguas. Por realizaron copias muy aproximadas de obras romanas,
e incluso reutilizaron (en escultura arquitectónica) lossu parte, la tradición romana permaneció latente
desechos romanos, es decir, los elementos rescatadosdurante más de dos siglos antes de que la reviviera
Carlomagno (muerto en 814), que conscientemente de las ruinas y apreciados por su belleza. En la iglesia
buscó el estilo antiguo de los romanos tanto en la de los Santos Apóstoles, los florentinos usaron un
antiguo capitel encontrado en unas ruinas romanasescritura como en la arquitectura, la escultura y la
locales y realizaron copias fieles para crear una naveilustración de manuscritos, en lo que parece a nuestros
ojos como una nueva dirección, y en el mejor de los con sabor antiguo. Se trató de un resurgimiento de las
casos, una variante provincial. El estilo otoniano de un artes, aunque no un verdadero Renacimiento, y el
movimiento fue internacional, con similitudes de estilosiglo más tarde estaba menos relacionado con los
reconocibles a pesar de las variaciones locales desdemodelos romanos, pero quizás era igualmente vigoroso
y energético en su intento de crear una nueva fuerza España hasta Inglaterra.
narrativa y una presencia escultórica. El período gótico en las artes continuó bajo muchas
Aunque Europa había sido debilitada por las de las mismas condiciones sociales y culturales del
románico. La Iglesia se fortaleció, las economíasinvasiones de vikingos, magiares y otros pueblos hacia
el final del primer mileno, se dio inicio a una época de siguieron creciendo y la clase aristocrática feudal siguió
gran estabilidad en la sociedad europea alrededor del ejerciendo su dominio. Sin embargo, varias formas
año 1000, y la civilización comenzó a prosperar. Ya artísticas sí cambiaron. Se rechazó la antigüedad como
modelo, por lo que los constructores de esta nueva eraestaba bien establecido el feudalismo y la cristiandad
había madurado en sus instituciones y marcaba el tuvieron que encontrar sus propias soluciones, un ars
camino en el área de la educación, con lo que daba nova que difería del pesado y estable estilo románico. El
forma a la codificación tanto civil como canónica. La desarrollo del arco puntiagudo, las bóvedas acanaladas,
los contrafuertes volados y las grandes masas desociedad se encontraba lo bastante segura de que el
comercio se efectuaría por tierra o por mar, y los fieles ventanales en la arquitectura eclesiástica fue una
podían hacer largos viajes de peregrinación a sitios respuesta al anhelo de luz, de crear un Jerusalén celestial
distantes. Los lugares donde se habían encontrado tachonado de joyas en cada interior. El Abad Suger
reliquias sagradas, como sangre de Cristo, trozos de la (muerto en 1151) de Saint-Denis (fuera de los muros del
verdadera cruz, el manto de la Virgen, huesos de París medieval) fue el instigador intelectual con su
santos, etc. se convirtieron en sitios de peregrinación y patrocinio de la arquitectura y, con el tiempo, el nuevo
la internacionalización de la cultura creció conforme estilo arrasó por toda Europa. Otra institución
los peregrinos recorrían el continente. Los sitios eclesiástica que ganó en estatura durante el periodo
sagrados para estos turistas religiosos requerían un gótico fue el monasterio. Ya bastante poderosos desde
10— Introducción —
épocas pasadas, los monasterios lograron aún mayores Este poder de la clase comerciante fue especialmente
ganancias en influencia moral y económica. El fuerte en Italia, donde florecieron las ciudades estado y
crecimiento de los monasterios, construidos con una la estructura del poder feudal y agrícola se debilitó; las
planificación ordenada, sensata y jerárquica, fue uno de ciudades italianas vieron el ascenso de una nueva clase
los desarrollos más sorprendentes del periodo, aunque de líderes secular y urbana. Este proceso fue
esto con frecuencia se pasa por alto debido a que los acompañado también de la secularización de la
restos materiales de estos magníficos establecimientos sociedad, que tuvo lugar con el desarrollo de una
han sobrevivido en un estado bastante pobre o literatura vernacular en italiano (Dante, Petrarca,
fragmentado. A lo largo de este periodo, las monarquías Boccaccio) y con los exploradores y viajeros, como
de Europa siguieron fortaleciéndose, y la fabulosa Marco Polo. Fue el proto Renacimiento que culminaría
riqueza amasada por los reyes franceses y sus parientes, en el siglo XV en una poderosa oleada de ideas seculares
como Jean, Duque de Berry, encontraron una salida en y un resurgimiento de las ideas clásicas.
ambiciosos encargos artísticos.
La Iglesia siguió teniendo un papel preponderante El Renacimiento y el Barroco en Europa:
el naturalismo y el resurgimiento de la antigüedaden la educación y supervisaba el desarrollo de las
universidades. Había un sentimiento creciente a favor
del nominalismo, en el que la primacía de los sentidos El mundo de la Europa del Renacimiento estuvo
y la prioridad de la existencia material jugaban un dominado por el espíritu del humanismo. Los
humanistas, es decir, los eruditos interesados en lapapel importante, y esta filosofía está relacionada
ideológicamente con un crecimiento del naturalismo en moral y los valores literarios de la antigüedad griega y
las artes visuales. El suavizado de los rasgos de las romana, centraron su atención en el redescubrimiento
figuras esculpidas y la interpretación de la comodidad de los textos antiguos, útiles no sólo para el estudio de
de la postura muestran una nueva agudeza de visión y una buena gramática y escritura, sino reapreciados por
una disposición para considerar los aspectos real e el contenido mismo, que arrojaba luz sobre experiencias
ideal del mundo visual. El papel contundente de la pasadas e ideas de una gran civilización perdida. Los
Iglesia incluyó el liderazgo moral durante las críticos del Renacimiento consideraron el estilo gótico
Cruzadas, con la creación de ejércitos para ocupar la como una corrupción, y nos legaron la palabra “gótico”,
Tierra Santa. A pesar de las Cruzadas, y en parte que es históricamente inexacta pero que reflejaba la
debido a ellas, el periodo medieval vio la introducción creencia de que los que destruyeron el Imperio romano
de ideas de pensadores islámicos en la filosofía y la eran del mismo bajo calibre que quienes desarrollaron el
ciencia, lo que enriqueció el pensamiento occidental. El arco puntiagudo y las “bárbaras” acumulaciones
resurgimiento de los tipos formales ubicados en Tierra ornamentales en los exteriores de las grandes catedrales
Santa, especialmente los que se encontraron en la de Europa septentrional.
iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén, dejó una Siguiendo el ejemplo de los humanistas, otros
profunda huella en la iconografía medieval y en la grupos, como los comerciantes, abogados, líderes
arquitectura renacentista. políticos y a fin de cuentas los dirigentes eclesiásticos y
La Edad Media tardía se desarrolló contra un telón los clérigos redescubrieron las maravillas de la
de fondo dramático: la peste, la plaga que destruyó a antigüedad. En ciertas áreas de la cultura, como en la
gran parte de la población de Europa, tuvo lugar entre ciencia médica y la pintura, había escasos restos dejados
1348 y 1351 y trastornó por completo a la sociedad en por las sociedades antiguas, pero en la escultura existía
algunos lugares. La clase social feudal gobernante una gran abundancia, desde arcos del triunfo,
sobrevivió, pero la clase trabajadora salió fortalecida y el fragmentos de esculturas y sarcófagos, hasta pequeños
crecimiento de las ciudades y de la burguesía se aceleró. bronces. Los escultores del siglo XV que querían volver
11la mirada a la antigüedad en busca de inspiración Sobre la escultura fue el primero de su clase desde la
podían hacerlo fácilmente. En su favor podemos decir antigüedad, explicaba en detalle cómo crear una figura
que casi todos los artistas del Renacimiento, en escultórica con proporciones adecuadas.
cualquier medio en el que trabajaran, tendieron a Hubo distintas fases en el Renacimiento, y los tipos
reinterpretar y a reutilizar el material del pasado, en de arte clásico que inspiraron y se reutilizaron diferían
lugar de copiarlo servilmente. Hubo ejemplos aislados según la época y los intérpretes. En el Renacimiento
en los que los artistas repararon (y por tanto igualaron el temprano, el arte de la escultura republicana romana fue
estilo de) obras antiguas, y algunos artistas hicieron muy admirado. A Donatello y a Nanni Di Banco les
versiones muy similares de ellas, como en la obra del atrajeron los detalles y la fuerza del carácter moral de
bien apodado Antico (Pier Jacopo Alari-Bonacolsi), un estos prototipos y reinterpretaron esto en sus esculturas.
escultor que trabajó para Isabella d’Este, o como lo hizo Más tarde, Miguel Ángel recurrió a la Grecia helenista y
el joven Miguel Ángel, que en sus años mozos creó obras sus figuras anchas, musculosas y de extravagante
tan similares a las de la antigüedad que podían engañar teatralidad. Cuando el Laoconte, una de las obras más
a los conocedores. Pero no sólo la antigüedad servía de importantes de la antigüedad, fue redescubierto en 1506,
modelo: muchos artistas se volvieron hacia la naturaleza Miguel Ángel lo dibujó y pronto incorporó sus posturas
misma en busca de inspiración, como recomendaban los retorcidas y sus expresiones angustiadas en sus temas
humanistas contemporáneos, y también se beneficiaron judeocristianos. Otros escultores del Renacimiento se
del conocimiento de las otras tradiciones artísticas interesaron en el estilo clásico calmado y tranquilo
europeas más cercanas a su propio tiempo. De hecho, inventado en el siglo V a.C. y sus variantes posteriores
muchos escultores mantuvieron vivo en cierta medida el de la antigüedad.
espíritu del estilo gótico, como Luca della Robbia y El papado fue un aspecto importante del
Andrea del Verrocchio, cuyo arte posee una dulzura y panorama social y artístico de la Europa renacentista.
elegancia de líneas que está en deuda con las tradiciones Durante la Edad Media tardía, el papado estuvo
del gótico tardío. dividido: fue el gran cisma de la iglesia occidental y en
El Renacimiento fue la era de la investigación, de determinados momentos se reconoció a más de un
relatos de viajes, de la creación de mapas, del registro de Papa a la vez, y el palacio de los Papas en Aviñón tuvo
la historia y la poesía de la naturaleza, entre otras nuevas más importancia que el del Vaticano en Roma como
tendencias seculares, parte de lo que el historiador Jacob sede papal. En 1417, el cisma terminó y Martín V
Burckhardt llamó “el redescubrimiento del mundo y del devolvió el papado a Roma. Durante siglos, los líderes
hombre”. En el ámbito de la escultura, los modelos papales fuertes como Nicolás V, Inocencio VIII, Julio II
vivos, la observación cuidadosa del movimiento y León X, quizá el más importante de ellos en este
humano y el estudio anatómico contribuyeron a la causa sentido, llegaron a ser grandes protectores de las artes.
artística. Los críticos de la época daban sus mayores Más tarde, en el periodo Barroco, esta reconstrucción
alabanzas a las figuras escultóricas que parecían casi continuó y los papas siguieron actuando como
vivas y listas para hablar. Los humanistas gobernantes seculares, con grandes ingresos que les
contemporáneos recomendaron a los artistas que permitían gastar en obras de arte, distribuir dinero
observaran la naturaleza, pero en su mejor forma: se entre sus favoritos o invertir en campañas militares. En
pidió a los escultores y pintores que seleccionaran las el campo de la escultura, las puertas de bronce de San
mejores partes de las distintas fuentes para crear Pedro creadas por Filarete, la tumba de Inocencio VIII
hermosas obras de arte. Tampoco debían pasar por alto realizada por Antonio del Pollaiuolo y los encargos de
las buenas proporciones; como en la antigüedad, la medallas y otras figuras elaboradas por Benvenuto
armonía entre las partes era un objetivo esencial del Cellini fueron parte de este restablecimiento papal en
escultor. Leon Battista Alberti, cuyo pequeño tratado la Roma del Renacimiento.
12— Introducción —
El estilo manierista, el arte estilizado que se produjo santos desmayados, fuentes complejas y un ejército de
en Italia en el siglo XVI, sería impensable sin la guía santos en la plaza de San Pedro, un proyecto que
idealista de los maestros del Alto Renacimiento, pero los realizaron Bernini y su enorme taller. A través de
objetivos de los manieristas eran un tanto diferentes. Europa, las sutilezas manieristas y los elegantes
Apoyados especialmente por conocedores y mecenas de detalles fueron reemplazados por el nuevo estilo, más
la corte, los escultores manieristas lograron una fresca amplio y emocional.
elegancia y a veces un frío formalismo bastante diferente Al igual que en la política, Luis XIV de Francia tuvo
de las obras más emotivas y apasionadas de principios un gran impacto en las artes. El Rey Sol, que ascendió
del siglo XVI. Jean de Boulogne (Giambologna) efectivamente al poder en 1661, se consideraba a sí
experimentó con la creación de escultura para ser vista mismo el heredero espiritual de Apolo y Alejandro
desde diversas direcciones, mientras que los escultores Magno, y favorecía el clasicismo en las artes; esto se
anteriores concentraban su atención en un solo punto de reflejó en sus encargos escultóricos así como los de obras
vista efectivo, o un rango limitado de puntos de arquitectónicas y de pintura. Luis favoreció una versión
visualización. La actitud artística del Manierismo iba bastante altisonante y pesada del clasicismo, como lo
aparejada con una actitud social que favorecía la demuestra la arquitectura existente, la decoración
variedad, la extravagancia, la inventiva, la gracia y la interior y el diseño de los jardines de Versalles, un
conciencia de sí mismo. La autobiografía de Benvenuto albergue de caza glorificado que él convirtió en centro
Cellini, llena de sucesos coloridos, baladronadas y del poder. Cuando Luis murió, un cierto alivio se
fanfarronadas es el complemento perfecto de su carrera extendió entre los aristócratas franceses. Los cortesanos
artística. La línea entre el Manierismo y el Alto se mudaron de Versalles a los recién construidos hôtels
Renacimiento no es fácil de trazar y los “manieristas” particuliers en París. Se impuso un gusto por la menor
mismos no siempre estaban muy conscientes de su lugar escala y las decoraciones se hicieron más ligeras y
en el esquema artístico codificado posteriormente por gráciles, el estilo del llamado Rococó. La palabra, que
los historiadores del arte moderno. Los manieristas fue acuñada mucho más tarde, al parecer por
creían que superaban a la naturaleza con sus figuras estudiantes que se movían en el círculo del neoclasicista
idealizadas, bien estudiadas y variadas, un objetivo que Jacques Louis David, indica que el arte era una cruza
compartían con artistas anteriores. entre el Barroco y el rocaille – trabajos realizados con
El siglo XVII, la era del Barroco, estuvo marcado guijarros (o restos de caparazones marinos) – y era una
por varios cambios sociales: las luchas entre religiones versión ligera del primero. Practicado por Clodion y por
que llevaron a la Contrarreforma; la expansión de las artesanos que dieron forma a los interiores del periodo,
misiones católicas alrededor del mundo; la exploración el Rococó prosperó en las casas campestres de los
científica de los cielos y del microcosmos a través de los nobles, en las casas de las ciudades y, tal vez lo más
microscopios; los continuos descubrimientos de memorable, en los interiores de las iglesias. Nacido en
pueblos y lugares de la Tierra; todo ello aumentó la Francia, el estilo prosperó por toda Europa y logró su
sensación del potencial de la humanidad. La nueva punto culminante en los interiores de las iglesias
mentalidad expansionista e inquisitiva resuena en un católicas de Austria y de Alemania meridional.
naturalismo subyacente en la escultura y un rechazo de El siglo XVIII fue una era de avances científicos y
la artificialidad del Manierismo, que fueron hechos a descubrimientos, por lo que resultó que la frivolidad del
un lado por el dramatismo de las figuras barrocas en Rococó no se adecuaba a todos los mecenas locales.
acción, que en ocasiones se mostraban de manera Jamás tuvo arraigo en Inglaterra ni en Estados Unidos,
realista en grandes escenarios palaciegos, urbanos o donde el gusto por la escultura se inclinaba mucho hacia
eclesiásticos. Gian Lorenzo Bernini dominó la escena las copias de la antigüedad, un gusto adquirido a través
escultórica en la Roma Barroca con sus esculturas de de la exposición de los ingleses a las obras de la
13antigüedad mientras realizaban el “Grand Tour”. En imperial romana. La independencia de Estados Unidos
Inglaterra también estuvieron muy de moda las copias y sus repercusiones llevaron a la adopción del referente
de los escultores del Renacimiento italiano y, cuando el clásico de la forma de gobierno griega y romana, pero
genio nativo se expresó a sí mismo, no fue extraño que fueron los ingleses quienes proporcionaron el fondo
lo hiciera en formas que recuerdan la antigüedad, como para esto, pues ya habían incorporado las nuevas ideas
ocurrió en el arte de John Flaxman. El inglés hizo una clásicas en su tradición escultórica y en otras formas de
especialidad de dar forma a jardines naturales arte. Cada país o régimen, con sus versiones
aparentemente espontáneos, y la escultura, de acuerdo ligeramente distintas, compartió este estilo Neoclásico.
con la tradición antigua, encontró con frecuencia un sitio El carácter internacional que tuvo fue producto del
en el diseño de los jardines. intercambio de ideas artísticas y del rescate de las
mismas fuentes antiguas.
La Edad Moderna: Del Neoclasicismo al siglo XX Otro estilo internacional, el Romanticismo, se
desplegó durante el siglo XIX contra el fondo del
El énfasis en la virtud en el siglo XVIII difícilmente era industrialismo creciente, de la democracia y de la
compatible con las delicias del Rococó, y finalmente algo desilusión de algunos con los resultados de estos
tenía que cambiar. Resultó que, una vez más, en el arte acontecimientos económicos y políticos. Los románticos
occidental el clasicismo fue visto como la salvación. El exploraron el mundo de lo irracional, lo distante y lo
neoclasicismo se extendió, inspirado en parte por el extraño, y su arte con frecuencia resultaba atractivo
redescubrimiento de Herculano y Pompeya y para aquellos privados de derechos por el progreso
fomentado por la sed de Virtud, que se creyó social y el cambio que se estaba experimentando en la
personificada en la serena y moderada escultura de la cultura occidental. Parte de esta forma de pensar
antigüedad. El movimiento neoclásico estaba listo para sobrevivió hasta el final del siglo y más allá, y es
triunfar y arrasó Europa, América y más allá. Se posible argumentar que el Romanticismo todavía vive
alimentó y fue fomentado por varios acontecimientos y y seguirá influenciando el pensamiento moderno y las
movimientos: El “Grand Tour”, el redescubrimiento de soluciones artísticas.
las ciudades romanas enterradas, el sistema de El pensamiento de finales del siglo XIX puso de
educación que puso énfasis en el estudio de la manifiesto varios intentos por explicar el mundo, y el
antigüedad, el total agotamiento provocado por el reconocimiento del poder de las fuerzas ocultas o
Barroco tardío y el Rococó... todo esto nutrió un irracionales, ya fuera a través de las ideas de Freud,
movimiento que dominó en la arquitectura, en la Nietzsche, Jung o Marx, dio lugar a manifestaciones
escultura y en las artes decorativas, y tuvo un fuerte artísticas. Paul Gaugin, que exploró (y explotó) el
impacto en la pintura. mundo estilístico e iconográfico de las islas del Pacífico
Varios regímenes políticos utilizaron el estilo clásico del sur, es un ejemplo de esta tendencia anti-burguesa.
para ganarse el apoyo popular. Esto no era una práctica Aun antes que Darwin, el mundo de los animales y sus
nueva, ya que muchos gobernantes italianos del poderes tuvo un gran atractivo entre los Románticos.
Renacimiento habían hecho lo mismo. Esta práctica ligó Darwin, en su obra El origen de las especies (1859),
a los nuevos regímenes con una tradición antigua que se relacionó al homo sapiens con el mundo animal por su
consideraba iluminada, virtuosa, imbuida en los valores genealogía, y durante su época y un poco antes era
democráticos, favorable a la educación y en la cúspide posible leer acerca de la importancia de los animales y
de la cultura secular entre civilizaciones del mundo. Los de los espíritus de los animales en las obras de los poetas
revolucionarios franceses de inmediato abrazaron el y escritores de prosa románticos; los animales se
naciente estilo neoclásico, y Napoleón lo continuó, reconocían como sabios y apasionados, y sus emociones
relacionándose de esta manera con la iconografía se relacionaban con las de los humanos, un tema que el
14— Introducción —
mismo Leonardo da Vinci ya había explorado, así como esta nueva forma de pensar, y su enfoque en la
Charles Le Brun y otros artistas. La escultura de fragmentación, en los cambios de punto de vista y en la
Antoine-Louis Barye expresa este interés en las pasiones reevaluación y reexaminación de los ideales artísticos
del reino animal, en una vívida tendencia explorada tradicionales siguió siendo generalizado en el siglo XX.
también por pintores tales como George Stubbs, Eugene De las abstracciones de Umberto Boccioni y Jacques
Delacroix y Henri Rousseau. Lipschitz al trabajo de David Smith y Donald Judd había
El final del siglo XIX fue una época de gran cambio una línea casi intacta de sabor modernista compartido.
cultural y social y algunos artistas parecieron responder Sin embargo, había quienes se oponían a tal
a esto y produjeron un arte tan revolucionario como las modernismo en el siglo XX. De hecho, desde principios
nuevas ideas en ciencia, filosofía y psicología. Auguste de siglo, en medio del cambio de paradigmas que se
Rodin, por ejemplo, avanzó hacia el modernismo a fines alejaban del arte académico y se dirigían a las soluciones
del siglo XIX, pero muchos otros escultores favorecieron modernistas, ocurrió la tragedia de la Primera Guerra
un acercamiento más estudiado, académico y Mundial, con una tremenda pérdida de vidas con poco
tradicional. Por toda Europa y América, la escultura cambio en ventajas para cualquiera de los bandos. La
académica tradicional despertó la admiración de los guerra dejó a una generación desilusionada, y el
espectadores y muchas de esas obras aún dominan los movimiento artístico del Dadá e incluso el Surrealismo
sitios públicos, como el Eros de Alfred Gilbert que está pueden trazarse a esta caída en la confianza y a esta
en Piccadilly Circus, en Londres, hasta La sirenita, en la visión más oscura. Estos artistas cuestionaron incluso el
bahía de Copenhague, y la Estatua de la libertad de valor del Modernismo y dudaron que pudiera llegar al
oFrédéric-Auguste Bartholdi (véase N 725), en Nueva final del siglo en la obra de los postmodernistas, que
York. Este último trabajo colosal es una muestra notable encontraron en el Dadá a un precursor espiritual. Las
del clasicismo académico, producido en una época en la características abstractas del pensamiento modernista
que incluso las escuelas estadounidenses menos fueron desafiadas, a su vez, por los Artistas Pop en los
vanguardistas estaban listas para explorar una variedad años cincuenta y sesenta, al utilizar objetos cotidianos o
de manifestaciones del modernismo temprano. facsímiles de ellos para hacer críticas, entre otras cosas,
El siglo XX estuvo marcado por una nueva de la sociedad de consumo moderna. De hecho, la
subjetividad del pensamiento, y los viejos paradigmas escultura actual con frecuencia encuentra expresión en
dieron paso a otros nuevos. La teoría de la relatividad de forma de objetos efímeros que se elevan a la condición
Einstein derrocó las creencias más estáticas de la física. de arte: el objeto encontrado de principios del siglo XX
Los compositores musicales atonales echaron por tierra se está renovando en el arte de las instalaciones
el viejo sistema común que había sobrevivido durante contemporáneas.
cuatrocientos años y alejaron el énfasis de la tónica y los Lo que se necesita es que vuelva la escultura
silencios musicales. Los pensadores psicoanalíticos arquitectónica. Rechazada desde hace mucho por los
siguieron minando la confianza en un pensamiento arquitectos más modernos, la ornamentación escultórica
consciente y en la razón. Incluso los economistas prácticamente ha desaparecido, para detrimento de la
introdujeron nuevas ideas de subjetividad en el sociedad. El sentido de que la forma debe subordinarse
pensamiento económico y vieron los precios como el a la función deja poco espacio para la ornamentación
resultado del cambio en el sentir de los proveedores y de escultórica, que desde tiempo atrás había sido una joya
la demanda, en lugar de considerarlos basados en en la corona de la construcción arquitectónica. Quizás
factores sólidos como los costos de producción. Todo una nueva generación de arquitectos adopte
esto formaba parte de una nueva mentalidad que veía nuevamente el uso del tallado o el moldeado
un universo dinámico, y los artistas compartieron esta ornamental como una forma de transmitir una sensación
nueva visión. El cubismo es el participante más obvio de de gracia, belleza y nobleza.
1516El Arte Antiguo
onforme las antiguas ciudades-estado griegas ligeramente divergentes, pero compatibles, para
crecían y evolucionaban, las artes literarias se lograr un arte de moderación y perfección. Cdesarrollaron un poco más que la pintura y la El siglo IV a.C. vio una expansión de las metas
escultura. Más o menos al mismo tiempo que Homero artísticas con respecto a las generaciones previas de
creaba sus grandes épicas, Grecia vivió el florecimiento escultores griegos. Lisipo y Praxíteles suavizaron la forma
de una era estilística identificada como el periodo humana e infundieron en sus esculturas una gracia
Geométrico, que duró desde el año 950 a 750 a.C., y fue un despreocupada. Los artistas de este período humanizaron
estilo dominado por las formas rígidas, en que la fluidez a los dioses y agregaron un elemento de elegancia a su
de la figura humana apenas comenzaban a insinuarse. movimiento y expresión. Los escultores del siglo IV a.C.
Conforme los griegos se vieron expuestos cada vez más a incrementaron la complejidad de la experiencia visual: los
las costumbres y a la cultura material extranjera, a través brazos en ocasiones se extienden para invadir nuestro
del comercio, fueron capaces de adaptarse y alterar estilos espacio, los grupos son más dinámicos en su composición
artísticos externos. El arte del Cercano Oriente y de los y nos permiten caminar a su alrededor y observar la obra
egipcios ayudó a dar forma al arte griego del período desde varios puntos de vista.
Arcaico (hacia el año 750 a.C. a 480 d.C.). En ese tiempo Los cambios del siglo IV a.C. apenas pueden
los griegos comenzaron a infundir en sus esculturas una prepararnos para la explosión de estilos que tuvo lugar
mayor sensación de vida, como ocurrió con la famosa en el período helenista, una época de exageración:
“sonrisa arcaica” y con una nueva sutileza de articulación realismo extremo en la presentación de los detalles y en
en el cuerpo humano. la captura de los momentos de la vida cotidiana; gran
La notable evolución de la escultura griega elegancia de la forma femenina, como vemos en la
odurante el siglo V a.C. no tiene comparación en la memorable Venus de Milo (véase N 117) en Nico de
ohistoria artística. Las innovaciones logradas durante Samotracia (véase N 106) y la musculatura extrema de
esa época dieron forma al desarrollo estilístico figuras masculinas en acción. La belleza y el
odurante miles de años, y no pertenecen sólo a un refinamiento del Apolo Belvedere (véase N 90) ahora en la
pueblo en la historia, sino a toda la humanidad. El colección del Vaticano lo destacan como una refinada
desarrollo del desplazamiento del peso en una sola continuación de los ideales griegos originales. Por otro
figura estática y la torsión concomitante y sutil de la lado, las figuras en alto relieve del altar de Pergamón, en
postura del cuerpo fueron los aspectos más las que se representa la batalla de los dioses y los
importantes de este nuevo estilo, pero igualmente gigantes, tienen una gran fuerza física y de expresión
significativa fue la perfección de las formas naturales, facial, con ojos hundidos, rizos gruesos de cabellos
la noble calma, el equilibrio dinámico del movimiento, ondulados y una actitud de gestos teatrales. Más tarde,
la armonía de las partes y de las proporciones Miguel Ángel y Bernini se inspirarían en obras del
reguladas. Todo esto vino a caracterizar el arte de lo periodo helenístico que conocerían a través de las copias
que ahora conocemos como clasicismo. Los escultores romanas de los originales griegos.
Policleto, Fidias (el maestro encargado del aspecto Los romanos siempre permanecieron en cierta
escultural del Partenón) y Mirón trabajaron en estilos medida bajo la influencia griega, pero desarrollaron sus
Ver página anterior:
1. Anónimo.
Iris, frontón occidental, Partenón, Atenas, c. 438-432 a.C.
Mármol, al: 125 cm.
The British Museum, Londres. Antigüedad griega.
17propios estilos de expresión escultórica. El más donde da inicio el principio de la relación “medieval” de
sorprendente de sus estilos tempranos, que no recibió una la figura en sus circunstancias espaciales.
influencia helenística, se dio durante el periodo La decadencia y la caída del imperio romano crearon
republicano (hasta la segunda mitad del primer siglo d.C). un fondo dramático para el cambio en el estilo de las artes,
En un desarrollo inolvidable de la escultura de retrato, incluyendo a la escultura. Durante el final del imperio, en
los artistas romanos produjeron cabezas ricas en los siglos tercero y cuarto d.C., en el periodo de los
detalles faciales y creadas para transmitir un fuerte efímeros emperadores de barracas y durante la época más
sentido del carácter moral de la persona, logrando la problemática, el retratismo logró su máxima expresión, en
representación de virtudes como la sabiduría, la ocasiones capturando el temor o la astucia, como reflejo
determinación y el valor. del curso de los acontecimientos de la época. La pregunta
Casi en la época de Augusto, un nuevo tipo de ideal subjetiva de la decadencia en el estilo surge en la
penetró en el arte romano, ejemplificado en los arreglos oconsideración del Arco de Constantino (véase N 166): la
armoniosos y en el flujo de la composición de los relieves colocación lado a lado de los relieves más antiguos con
oen el Ara Pacis Augustae (véase N 126). La figura de los del siglo cuarto resalta las proporciones más
Augusto, realizada en mármol, el Augustus Prima Porta aplastadas y las repeticiones del tipo y la postura de las
o(véase N 121), es una versión romanizada de la tradición
obras más recientes. Así, incluso antes de la llegada del
griega, con el contrapposto (desplazamiento del peso) en
cristianismo, la decadencia en el estilo y el gusto ya
la postura y el rostro idealizado y juvenil del gobernante.
estaba presente. Esto es evidente sobre todo en el arte del
Menos griegos en la concepción son los detalles de su
retrato: la noble expresión facial y el idealismo corporal,
armadura y el pesado estilo de sus vestiduras. Durante
así como la armonía del estilo clásico han desaparecido y
el resto del imperio romano, hubo una continua lucha
puede verse, en su lugar, una figura desnuda con la
artística, sin solución, entre el idealismo y el realismo. El
cabeza más pequeña y el pecho plano y ancho.
trasfondo a esta batalla estaba integrado por el flujo de
Los cristianos, cuyo ascenso alteró el carácter de la
originales griegos y de copias romanas que llenaban los
vida romana, heredaron los estilos escultóricos de los
jardines, patios y foros romanos, y estas obras variaban
romanos de esta época. Incluso se reutilizaron algunosen estilo desde el arcaico hasta el helenista.
de los elementos iconográficos; por ejemplo, seAdemás de cualquier dependencia de los griegos, los
asignaron a Cristo figuras similares a las de Apolo.romanos desarrollaron sus propias tradiciones y fueron
Además de los materiales esculturales característicos seespecialmente inventivos para lograr nuevas expresiones
incrementó el trabajo del marfil, que siguió siendo unestilísticas en sus monumentos públicos. La narrativa
material muy usado durante la Edad Media. Lasvigorosa y la variedad de los relieves en el Arco de Tito
innovaciones iconográficas de los primeros cristianosaún impresionan, y no es de sorprender que hayan
fueron sustanciales y apareció un nuevo conjunto deinspirado a los artistas del Renacimiento. No menos
temas en el arte que sobreviviría y perduraría en la parteimportantes son los intrincados relieves en la Columna
oriental del casi extinto imperio romano, el Imperiode Trajano y en la Columna de Antonino Pío. Con
Bizantino. Sus escultores retuvieron las característicascomposiciones tipo rollo, cientos de figuras adornan
adaptadas del estilo tardío romano y a fin de cuentasestas columnas en relieve, mostrando las proezas
militares y, con mayor prominencia, tecnológicas de los ayudaron a reintroducir algunas de las antiguas ideas
ejércitos romanos. Las figuras parecen grandes artísticas del Mediterráneo a la Italia de finales del
comparadas con su entorno arquitectónico, y es aquí medioevo y proto renacentista.
Ver página siguiente:
2. Anónimo.
Retrato de Julio César, c. 30-20 a.C.
Mármol, 56 x 19 x 26 cm.
Museos del Vaticano, Vaticano. Antigüedad romana. (*)
18— El Arte Antiguo —
194. Anónimo.
Kleobis y Biton, Santuario de Apolo, Delfos,
c. 610-580 a.C. Mármol, al: 218 cm.
Museo Arqueológico de Delfos, Delfos. Antigüedad griega. (*)
3. Anónimo.
El “Auxerre Kore”, c. 640-630 a.C.
Piedra caliza, al: 75 cm.
Museo del Louvre, París. Antigüedad griega. (*)
20Phidias (copia de un original de), Antigüedad griega............................................ 51, 56, 57 Ségoffin, 1867-1925 ........................................................................................................ 777
Picasso, 1881-1973 ........................................................ 807, 816, 855, 889, 895, 896, 927 Serra, nacido en 1939 ..................................................................................................... 975
Pigalle, 1714-1785.......................................................................................... 619, 634, 636 Settignano (da), c.1430-1464........................................................................................... 375
Pilón, c.1529-1590................................................................. 472, 474, 492, 498, 499, 501 Simart, 1806-1857........................................................................................................... 690
Pisano (Andrea), c.1295-1348................................................................................. 317, 319 Slodtz, 1705-1764 617
Pisano (Nicola), c. 1206-1278 301, 302 Sluter, c.1350-1406................................................................................................. 332, 339
Pisano (Nino), 1343-1368 ............................................................................................... 183 Smith (David), 1906-1965 ....................................................................................... 899, 910
Policleto (copia de un original de), Antigüedad griega ........................................ 69, 70, 72 Smith (Tony), 1912-1981 928
Polidoro, Antigüedad griega ........................................................................................... 112
Soldani-Benzi, 1656-1740............................................................................................... 592
Pollaiuolo, 1432-1498..................................................................................................... 367 Soto, nacido en 1923 ...................................................................................................... 907
Pompon, 1855-1933 838, 839
Stati, 1556-1619 .............................................................................................................. 510
Pradier, 1790-1852.................................................................................................. 685, 691
Story, 1819-1895 ............................................................................................................. 710
Praxiteles (copia de un original de), Antigüedad griega ................................ 86, 87, 95, 100
Stoss, c.1447 – c.1533 ............................................................................................ 393, 447
Préault, 1809-1879 ................................................................................. 671, 686, 687, 732
Strudel, 1648-1708.......................................................................................................... 596
Prieur, 1536-1611............................................................................................ 483, 490, 491
Susini (Antonio), activo 1572-1624 ................................................................................. 524
Primaticcio, 1504-1570 460, 472
Susini (Giovanni Francesco), 1585-1653......................................................................... 526
Puget, 1620-1694 558, 568, 571
Suvero (di), nacido en 1933 980
Szymanowski, 1859-1930 ............................................................................................... 756Q
Queirolo, 1704-1762....................................................................................................... 616
T
Quercia (della), 1371-1438 ..................................................................................... 345, 347
Taeuber-Arp, 1889-1943 ......................................................................... 827, 829, 840, 884
Takis, nacido en 1925 ..................................................................................................... 944R
Targone, activo 1575-1590.............................................................................................. 495Raggi, 1624-1686.................................................................................................... 554, 582
Tatlin, 1885-1953 ............................................................................................................ 835Rauchmiller, 1645-1686.................................................................................................. 575
Tauriscus (copia de un original de), Antigüedad griega ................................................... 598Rauschenberg, nacido en 1925 ....................................................................................... 913
Thomas, 1824-1905 ........................................................................................................ 695Raysse, nacido en 1936................................................................................................... 942
Thornycroft (Sir), 1850-1925 ........................................................................................... 715Renoir, 1841-1919........................................................................................................... 803
Thorvaldsen, 1770-1844 ................................................................................................. 658Richier (Germaine), 1904-1959 888
Richier (Ligier), c.1500-1567........................................................................................... 467 Timoteo (copia de un original de), Antigüedad griega....................................................... 37
Tinguely, 1925-1991 951Riemenschneider, 1460-1531 ......................................................................... 411, 418, 419
Robbia (Andrea della), 1435-1525.................................................................. 380, 382, 384 Tomé, 1690-1742 608
Robbia (Girolamo della), 1488-1566............................................................................... 457 Torrès-Garcia, 1874-1949................................................................................................ 850
Robbia (Luca della), 1400-1482.............................................................................. 368, 381 Torrigiano, 1472-1528..................................................................................................... 451
Roche, 1855-1922 774 Tribolo, 1500-1550.......................................................................................................... 453
Rodchenko, 1891-1956................................................................................................... 832 Troubetzkoy, 1866-1938.......................................................................................... 770, 788
Rodin, 1840-1917 .................................. 706, 716, 721, 723, 730, 733,739, 760, 772, 791 Tuby, 1635-1700 ............................................................................................. 573, 579, 584
Rojas (de), 1549-1611 ..................................................................................................... 486
Roland, 1746-1816 ........................................................................................................ 637 U/V
Roldán, 1624-1699.......................................................................................................... 567
Underwood, 1890-1975.................................................................................................. 851
Romano, 1465-1512 405 Van der Schardt, c.1530 – c.1580 ................................................................................... 482
Rossellino (Antonio), 1427-1479............................................................................. 370, 389
Van Opstal, 1594/1604-1668 549
Rossellino (Bernardo), 1409-1464 ................................................................................... 371
Vanderbilt Whitney, 1877-1942 ...................................................................................... 859
Rossi (de), 1490-1530...................................................................................................... 444
Vantongerloo, 1886-1965................................................................................................ 836
Rosso, 1858-1928 ........................................................................................... 736, 771, 789
Vanvitelli, 1700-1773...................................................................................................... 645
Rouillard, 1820-1881 705
Verbruggen, 1654-1724................................................................................................... 597
Rude, 1784-1855 ............................................................................................ 679, 681, 692
Verhulst, 1624-1698 ........................................................................................................ 577
Verrocchio (del) (Taller de), siglo XV ............................................................................... 383
S
Verrocchio (del), c.1436-1488 ........................................................ 366, 379, 385, 387, 403
Saint-Gaudens, 1848-1907...................................................................................... 731, 761
Vignola, 1507-1573......................................................................................................... 484
Saint-Marceaux (de), 1845-1915 711
Vittoria, 1525-1608 508
Saint-Phalle (de), 1930-2002................................................................................... 858, 921
Vries (de), c.1560-1626................................................................................... 494, 521, 522
Salvi, 1697-1751 ............................................................................................................. 610
Saly, 1717-1776 .............................................................................................................. 614
W/ZSansovino, 1486-1570............................................................................................. 432, 480
Weekes, 1807-1877 694Sarazin, 1592-1660 ......................................................................................................... 587
Wilding, nacida en 1948 ................................................................................................. 885Schadow, 1764-1850 .............................................................................................. 646, 652
Winsor, nacida en 1941................................................................................................... 988Schenck, 1633-1691 ....................................................................................................... 583
Zadkine, 1890-1967................................................................................................ 843, 893Schlüter, 1660-1714589
Schoenewerk, 1820-1885................................................................................................ 709 Zauner (von), 1746-1822 654
Séchas, nacido en 1955 .................................................................................................. 994 Zorio, nacido en 1944..................................................................................................... 982
Segal, 1924-2000 ............................................................................................................ 949 Zürn, 1583-1635/3 .......................................................................................................... 851
543Desde la antigüedad hasta el siglo XX, esta colección de esculturas ofrece
una visión realmente original del arte occidental. Aquí encontrará las obras
maestras más sensuales y armoniosas, las más provocativas y las minimalistas.
La escultura da forma al mundo y a nuestro concepto de la belleza, deja
siluetas perdurables y crea siempre nuevas formas intrigantes. Estas obras
maestras son el reflejo de una era, de un artista y de su público. A través de
este libro conocerá no sólo la historia de este arte, sino también la historia
del arte occidental. Entre los ideales de belleza más aclamados y las obras
más controvertidas, 1000 Esculturas de los Grandes Maestros le proporcionará
un auténtico panorama de la escultura occidental. Con su gran variedad de
referencias, comentarios sobre las obras maestras y biografías, esta obra
permite al lector redescubrir la herencia del mundo occidental y resulta la
guía perfecta para cualquier estudiante de arte y para los amantes de la
escultura.

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